广阔无垠的大自然，使得人类社会得以生存繁衍。在大自然的恩泽下，人类在劳动和生活中创造了灿烂的文化艺术。大自然给艺术作品赋形，艺术作品中随处可见自然之美。艺术与自然如影随形，共同构建璀璨的文明风景。
西方绘画中的自然
其实说到底，自然与艺术之间的关系，就是人类对自然的态度。对自然的书写、描绘和歌颂，一直和人类文明相伴而行。对自然界的描绘，早在原始社会就已开始。西班牙阿尔塔米拉洞里的岩画《受伤的野牛》，绘制于1万多年前，这应该算是人类最早的画作了，也是最早表现自然主题的画作。长达近两米的画幅中，野牛四肢蜷缩在一起，头深深埋下，背部则高高隆起，显示出因受伤而痛苦不堪的样子。值得注意的是，聪明的原始人巧妙地借助岩壁的天然起伏构成动物的外形，取得了惊人的表现效果。
从表现技法看，《受伤的野牛》主要运用了“勾勒法”“喷涂法”，即先勾线后涂色。色彩以赭红与黑色为主，且都是天然矿物颜料，其成分主要是动物血、炭灰，当时所用的“画笔”则可能是由苔藓类植物或者兽毛、骨管等制成的。原始人为什么要画野牛，我们不必苦苦追问，有一个事实是可以肯定的：当时原始人生活的周边，有无数的飞禽走兽出没，人类和动物之间的交往是零距离的。否则，原始人怎么能惟妙惟肖地进行描绘？在人类早期社会里，人和自然的关系亲密无间，人高度依赖自然而存活。
公元1世纪，罗马马西莫浴场宫的壁画《莉维娅内的山林》，是一幅风景主题的画作，画作以绿色为主色调，郁郁葱葱的山林和欢快的小鸟，让观众欣赏之后感到欢欣惬意。这幅画作在造型、色彩方面，忠实于描绘的对象。当然，这个时期的写实风格还处于摸索期，真正形成成熟的写实风格是几百年之后。这幅画的主要价值在于：无名的画家把笔触瞄准了动植物，并且有意识地突出刻画的重点，画面的虚实关系拿捏到位。
文艺复兴时期，人文主义走上历史的前台，画家们在创作主题上，不再受制于宗教题材，而是把画笔转向真实的、普通的人以及身边的自然。森林、河流、瓜果、花卉等，成为画家们热衷描绘的对象。也是从文艺复兴时期开始，以科学、理性的态度探究自然，成为博物学家、动植物学家的重要任务，对自然规律的科学发现，也拉开了序幕。
比如大画家达·芬奇，和同时代的人文主义者睁大眼睛观察周围的自然世界。在他看来，大自然一直都是悬而未决的甚至无从认知的神秘所在。对于植物，他有探索的兴趣，在素描手稿《花卉研究：伯利恒之星》中，可以看出一代绘画大师对花卉的描绘是何等精确而富有耐心。对于绘画与自然的关系，他留下一句名言：“谁非难自然，谁就是非难绘画。”
文艺复兴之后的几百年里，植物学快速发展，人类揭开自然界的一个又一个奥秘，与此同时，大自然在画家的笔下，已经成为不可或缺的描绘对象，一批擅长表现瓜果蔬菜的画家涌现：阿尔钦博托、布克莱尔、卡拉瓦乔、宾比、海达等。比如布克莱尔的油画《水果蔬菜女商贩》，整个画幅中，女商贩看上去美丽而干练，但她位居画幅偏右的位置，那些白菜、胡萝卜、苹果、葡萄等果蔬才是真正的“主角”。画家表现出高超的写实技巧，对于造型、色彩、光影的组合运用，已经达到炉火纯青的境界。
19世纪中叶，西方画家们对大自然的描绘逐渐成为风潮。法国巴黎郊区一个叫巴比松的村庄，一批画家以描绘自然为中心，代表性画家有卢梭、德拉佩纳、特罗容、多比尼、雅克等，他们被美术史誉为巴比松画派。巴比松画派（BarbizonSchool）把对自然的描绘推向了一个新高度，画家们反对学院派画家在室内画风景画，走出画室在自然光下对景写生，然后以写生稿为基础，进行风景画创作。他们的创作经验，特别是对景写生，以求获得真实鲜活的感受和使画面色调明亮起来的艺术主张和实践，给印象派画家带来直接的创作启迪。画家们不仅表现自然，还享受自然，在森林河流的环抱里呼吸着大自然的新鲜空气和泥土的芬芳，用画笔描绘自然景观和风土人情。
其中，柯罗的油画《蒙特枫丹的回忆》，堪称巴比松画派作品之翘楚。这幅作品创作于年，描绘了画家对瓦兹河畔小村庄的美好回忆：一个薄雾笼罩、静谧清新的早晨，身穿红裙的年轻母亲和两个孩子在河边闲适地采摘野花。画面分为远、中、近三部分。晨雾缭绕的河对岸，山峦起伏，树木成林。水中倒影成荫，仿若梦境。近景中，一棵高大的橡树似乎被微风轻拂枝叶。绿色的橡树和柯罗画作标志性的银灰色调交织，烘托出“远山如黛，近水含烟”的意境。人物衣裙的明丽色彩点缀其间，如诗如画的自然与人浑然一体。
如果说巴比松画派描绘的自然是一首协奏曲，那么后来的印象派描绘的则是一首交响乐。莫奈、米勒、西斯莱、高更、凡·高、德加等画家，在描绘自然的过程中，已经摆脱写实造型的束缚，着重表现自然光线的千变万化，在他们的画作中，表现对象包括田野、菜地、睡莲、水塘、树林、天空等。比如莫奈花费大量精力表现睡莲，尤其是一天当中不同时段、不同光线下的睡莲。原本平淡无奇的睡莲，在他的笔下熠熠生辉。再如凡·高，在短暂的绘画生涯中，不厌其烦地描绘星空、向日葵和麦田，深蓝、金黄之色调，成为他描绘自然的标志性色彩。印象派是美术界的追光者，他们描绘大自然，由客观走向主观，他们更注重呈现心中的自然和风景，他们的笔触和色彩充满张力，而且赋予自然更多的生命力和个性。可以说，印象派的画家们是描绘自然的“先锋战士”，在世界美术史上书写了自然的传奇。
中国绘画中的自然
在中国画家笔下，艺术再现的自然更富有诗意、富有内涵。中国历来崇尚道法自然、天人合一的理念，人与自然的交融关系，深入到中国人的血脉之中。中国画家们正是在这种价值取向的影响下，千百年来不断描绘生机勃勃的自然。
中国画家把天地山水放在心灵深处，描绘自然界的山水，看重笔墨情趣，借景抒情。正因为对山川大地的敬畏，绘画类型中才有专门的山水画类别。在山水画的世界里，画家们无论是表现巍峨苍劲的高山，还是山林中的涓涓细流，画幅中都充满着宁静、和谐。回归自然、回归山林，是中国画家们的心之所向。在山水画中，山川、树木、流水是表现的主要对象，而人物在画幅中只是点缀，这表明，画家们意识到在自然世界里，人与自然万物是平等的，过分突出人物在画幅中的比例，显然违背了天意。
中国艺术领域里，山水画是重要的创作题材，也是直接与自然对话的绘画门类。中国山水画按照表现手法和审美情趣，一般分为青绿山水和水墨山水。青绿山水在描绘山石等景物时，往往用线条勾勒物体的外形、轮廓，然后用石青、石绿等重彩渲染体积，画面显得细腻富丽。青绿山水着重表现山水的秀美壮丽。展子虔创作的《游春图》，在中国山水画历史上具有重要意义，标志着中国山水画形成过程中的一大飞跃。这幅画表现的是士人纵情山水、欢快游乐的场景。在展子虔之后，对青绿山水画产生重大影响的是李思训。他的青绿山水多是云霞缥缈，峰峦遮掩，在清幽的山水之间又有严整的亭台楼阁，画栋雕栏，如同可游可居的人间仙境。他的名作《江帆楼阁图》，画面开阔，给人心旷神怡之感。画面中，对近处的山石、草木、楼台的描绘工整细腻，而对于远处江水的描绘则较为简约，三三两两的渔船让整个江面彰显动感。
真正将青绿山水推向顶峰的是北宋王希孟的《千里江山图》。王希孟作为宫廷画家，在创作这幅传世名作时才二十多岁，创作了这幅名作之后，他的去向也成为千古之谜。这幅画以概括的手法、精细的笔触、绚丽的色彩，描绘了当时的美丽山河。画作分为五段，每段以水面、游船、沙渚、桥梁相衔接。这幅画如同讲故事一般，将山水之韵娓娓道来。整体看，画作表现了千里江山壮阔的气势，既有连绵起伏的山脉，又有水天一色的浩渺江河。画中的水村夜市、亭台楼阁、长桥磨坊、捕鱼驶船等，刻画细致，可谓一点一画，均无败笔，山村人物，细若小点，无不精心。
中国古代画家描绘自然山水，往往借景抒情，表达心志。中国画家画的多是心中的山水，初看很多画作，似乎和某地的山川河流很像，但仔细看，又不太像，“像与不像”是中国山水画的高明之处，这一点和西方画家笔下的自然风景有显著的区别。特别是文人的水墨山水画，让中国艺术更为风雅，更具中国气派。如荆浩、关仝、董源、巨然、范宽、马远、夏圭、赵孟頫、黄公望、倪瓒、董其昌等画家，在水墨山水画创作中各有千秋，他们的共同点是敬畏自然、向往自然，共同把中国古代艺术推向了高峰。
在热衷描绘自然山水的中国画家中，北宋范宽笔下的北方山水给人带来巨大的心灵震撼，其代表作《溪山行旅图》，把雄奇险峻的山水画风格推向极致。作品的正中位置，巨峰耸立，顶天立地，可谓气势磅礴，极目仰视不能穷其高，使人有登绝顶而览众山小之感。那千尺悬瀑，自上而下，飞泉一线，下临深谷，俯窥而不知谷之深。而元朝画家赵孟頫，在描绘自然山水时清秀婉约，含蓄内敛。他的代表作《鹊华秋色图》中，江水盘绕，平原上的村舍、树木环抱着鹊、华两山，画面的左边，有远近屋宇，画面的右边，溪流、渔舟，一人撑篙，一人收网。远处水面宽阔，渔舟相向。赵孟頫为什么要创作这幅画？一方面，他作为当时朝廷的高官，祈望天下太平，百姓安居乐业，另一方面，表达了他归隐自然的意愿。
自然与艺术盘根交错，你中有我，我中有你。中外艺术史上，还有无数人与自然主题的作品，值得慢慢欣赏、细细品味。
（作者单位系中国地质大学［武汉］艺术与传媒学院）
《中国教育报》年04月07日第4版
作者：陈华文